『ふつうの軽音部』という作品には、音楽が“物語を語る言葉”として響いている瞬間がある。なかでも文化祭の演奏シーンで流れた「ドラマツルギー」は、読者の胸に突き刺さるような衝撃を与えた。
Eveが描く“仮面と本音”の歌が、なぜここで鳴らされる必要があったのか──。
この記事では、その選曲の意味と、そこに込められた感情の輪郭を掘り下げていく。
“ドラマツルギー”という選曲が意味するもの
文化祭という“表舞台”に立つキャラクターたちは、観客の視線にさらされながら、それでも自分たちの“物語”を音楽で伝えようとしていた。
そのとき選ばれた楽曲がEveの「ドラマツルギー」だった──。この曲は、ただ耳に残るメロディではなく、内側に秘めた葛藤を“外に向かって叫ぶ”構造を持っている。
なぜこの曲が彼らの選曲だったのか。偶然ではなく、そこには確かに意図された「役割」があった。
このパートでは、楽曲の意味性、キャラクターの内面、そして“選曲”という行為の重みを丁寧に解いていく。
ステージ上で鳴らされた音は、彼らが抱えていた「声にならない心」そのものだったのだ。
“演じること”に向き合うキャラたち
「ドラマツルギー」とは、もともと劇作法を指す言葉であり、“演じる人間”の裏にある本音や構造に着目する視点を内包している。
Eveの歌詞に出てくる「僕ら全員、演じていたんだ」は、誰かの期待に応え続けながらも、心のどこかで“これが本当の自分じゃない”と感じている人の胸に刺さる。
『ふつうの軽音部』に登場する1年生バンド「プロトコル」のメンバーもまた、その“演技”と“本音”の狭間でもがいている存在だった。
「ふつうでいたい。でも、それじゃ足りない」という矛盾が、彼らのセリフではなく、演奏によって表現されていた。
まるで音楽が、言葉にできない痛みを代弁するかのように。
彼らにとってステージは、ただ目立つための場ではなく、“仮面をかぶったままでも、自分の存在を証明できる場所”だったのかもしれない。
その感情を引き受けるには、「ドラマツルギー」はあまりにもふさわしすぎた。
そして何より、この演奏を観ていた同級生や読者にとっても、“何かを言えなかった過去”を重ねる鏡のような時間だった。
歌詞に込められた“自分でありたい”という願い
「その目に映るのは、偽物の自分かもしれない。」
Eveのこの歌詞に含まれる焦燥感や不安は、“誰かの期待に応えるうちに、自分を見失ってしまう”という現代的なテーマと地続きにある。
プロトコルの演奏が胸を打ったのは、彼らがこの曲を通して、“自分でありたいという願い”をむき出しにしていたからだ。
「演じている」と知りながら、なおもステージに立つ。
それは欺瞞でも逃避でもない。むしろ、演じながらでも叫び続けることに、リアルがある。
そしてその叫びは、誰かの中に沈んでいた「本音の言葉」を、そっと引き上げるのだ。
軽音部という空間は、ただ音楽をやる場所ではない。
そこには、言葉にできない痛みや孤独を、“音”として共鳴させる場がある。
その共鳴が「あなたはここにいていい」と、受け入れのメッセージになることがある。
「ドラマツルギー」は、そんな“演じる自分”を肯定し、なおかつ“本当の自分”を呼び起こす楽曲だった。
「ふつうの軽音部」における音楽の使い方
『ふつうの軽音部』という作品が他のバンド系青春漫画と一線を画すのは、「音楽」を単なる演出や演奏の道具に留めず、“感情と言葉を媒介する存在”として扱っている点にある。
物語の中で選ばれる楽曲は、いつもキャラクターの内面や、物語の転機と密接にリンクしている。
ただのBGMではなく、“心の声”として鳴っている。
このパートでは、作中の音楽がどのように使われているか、その“物語装置”としての機能を掘り下げていく。
音楽とは、感情そのものだ。
台詞では言えないこと、モノローグにも乗らない衝動。それが音となってあらわれたとき、キャラクターは“自分の物語”を初めて他者に届けることができる。
『ふつうの軽音部』は、まさにその瞬間の尊さを丁寧にすくい上げる作品だ。
登場曲の選定に込められた意味
『ふつうの軽音部』で演奏される楽曲には、現実に存在する楽曲が多数登場する。
これは作中のリアリティを高めると同時に、読者の感情に直接アクセスする仕掛けでもある。
たとえば「ドライフラワー」「群青」「アスノヨゾラ哨戒班」など、特定の世代に刺さる“記憶の曲”が多く、音楽と読者の経験が重なるよう設計されている。
また、キャラクターの心情に寄り添った選曲も印象的だ。
不安定な心を抱えたキャラには、葛藤や孤独を描いた曲があてがわれる。
一方、成長の兆しを見せたキャラには、希望や決意を感じさせる曲が用いられる。
このようにして、曲の意味がキャラの成長とリンクする構造が生まれるのだ。
さらに、選ばれた楽曲がそのまま“今の自分を映す鏡”として機能している点にも注目したい。
曲を通してキャラクターが無意識に語ってしまう“本音”は、物語の奥行きを豊かにし、読者に深い共感を生む。
「何を演奏するか」＝「何を伝えたいか」なのだ。
文化祭という“演出”におけるピークの設計
文化祭シーンは、軽音部ものにおいて定番でありながら、その扱い方で作品の個性が如実に表れる。
『ふつうの軽音部』では、文化祭は単なる盛り上がりイベントではなく、キャラクターの感情のピークをぶつける場として機能している。
特にプロトコルの「ドラマツルギー」演奏回では、曲の構成とキャラクターの内面が完全に一致していた。
たとえば歌詞のフレーズが、ちょうどキャラクターが視線を上げたタイミングで重なるなど、“感情と演出のリンク”が細かく設計されている。
また、演奏を聴く側のキャラクターたちの表情にも注目すべきだ。
誰かの演奏が、別の誰かの“心のスイッチ”を押すことがある。
こうして、音楽が物語のトリガーとして循環していく構造が生まれているのだ。
文化祭という舞台は、“観られる”ことが前提の空間である。
その中で、自分の音で何を語るのか。
『ふつうの軽音部』はその問いを、“答えの出ない青春”と重ねて描いている。
音楽が“誰かを変える”瞬間
『ふつうの軽音部』では、演奏している本人だけでなく、“聴いている側”の変化にもフォーカスが当たっている。
誰かの音に触れ、涙する。何かを決意する。
そうした“他者の物語に触れた”瞬間が、心を揺らし、新たな一歩へとつながっていく。
特に印象的なのは、普段は言葉少なだったキャラクターが、演奏をきっかけに本音を漏らす場面。
その変化は、まるで音楽がその人の“蓋を開けた”かのように描かれている。
聴くという行為は、時に救いになる。
そしてその“救い”は、演奏者にとってもまた報いとなる。
音楽が交差点となり、感情が往復する構造が、この作品の美しさだ。
『ふつうの軽音部』は、音楽が人を変える──そんな静かで、けれど確かな力を、何度も描いている。
それが、この作品を特別なものにしている理由のひとつだ。
まとめ｜この選曲が心に残る理由
「ドラマツルギー」はただの挿入歌ではなかった。
それは、“演じている自分”のままで、誰かに届く可能性を示す楽曲だった。
『ふつうの軽音部』のキャラクターたちは、自分自身の輪郭を探しながら、言葉にできない感情を音に託した。
その瞬間、音楽は“表現”を超えて、“生き方”になったのだ。
この作品が伝えてくるのは、「そのままの君で、音を鳴らしていい」という許しだ。
それは同時に、読者の中に眠る“まだ声にならない感情”を、そっと肯定してくれる。
だからこそ、「ドラマツルギー」という選曲は、物語の中心にふさわしかった。
演奏が終わっても、あの音は胸のどこかで鳴り続けている。
それはきっと、誰かの“心の物語”が、始まる予感のようなものだ。
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